La idea de la integración entre el arte y la arquitectura se remonta al origen mismo de la disciplina, sin embargo, adquirió un nuevo significado y propósito social durante el movimiento de las Vanguardias de principios del siglo XX, convirtiéndose en una de las características más definitorias del Modernismo. Esta estrecha relación es evidente en las obras de algunos de los más grandes arquitectos modernos, como Mies van der Rohe, Le Corbusier y Oscar Niemeyer, por nombrar algunos.
Ni que decir tiene que el modernismo surgió de una expectativa de reconstrucción moral y material de un mundo devastado por la guerra, sirviendo como herramienta para fortalecer una identidad colectiva y, en consecuencia, el vínculo entre la ciudad y sus habitantes. En este contexto, la expresión artística se utiliza como herramienta para dar forma a la vida emocional del usuario, a la que el arte y la arquitectura combinados pueden dar un nuevo significado, ofreciendo un lugar que represente un sentido de comunidad, además de la función y la técnica.
El desarrollo profesional en la Bauhaus estuvo marcado por lo que Argan (1992) denomina «racionalismo metodológico-didáctico», fomentando la unificación de todas las artes a través de una Gesamtkunstwerk, que se traduce aproximadamente como «obra de arte total», incorporando arquitectura, pintura, escultura, diseño industrial y artesanía. Se esperaba que esta colaboración se produjera incluso en la obra, uniendo así el trabajo intelectual y el manual en una experiencia compartida. Como decía su máximo exponente, Walter Gropius, un arquitecto debe estar tan familiarizado con la pintura como un pintor con la arquitectura. No se debe diseñar un edificio y encargar después a un escultor; esto sería erróneo y perjudicial para la unidad arquitectónica.
Aparte del programa de la Bauhaus, esta integración entre disciplinas también fue planteada, y de forma muy notable, por Le Corbusier mediante la combinación de elementos de la pintura y la escultura con los conceptos formales de la arquitectura. En este sentido, Le Corbusier -a pesar de ser un «one-man show» que predicaba la síntesis de las artes en sus diseños, pero que siempre trabajó en solitario- defendía que los papeles de los arquitectos, pintores y escultores tenían la misma importancia contribuyendo a una colaboración productiva en el mundo real, es decir, en la obra, creando y diseñando en completa armonía.
Hasta cierto punto, esta relación inseparable sonaba tan utópica que Lucio Costa afirmaba que este arte mayor requeriría un nivel de evolución cultural y estética casi imposible de alcanzar, en el que la arquitectura, la escultura y la pintura formarían un cuerpo cohesionado, un organismo vivo que no podría desintegrarse. Sin embargo, el Palacio de Capanema, en Río de Janeiro, es posiblemente lo más cercano a esta utopía en Brasil, al contar con el pintor Cándido Portinari, el escultor Bruno Giorgi y el arquitecto paisajista Burle Marx desde el principio del desarrollo del proyecto. Como afirma el historiador francés Yves Bruand, el resultado es un conjunto de gran valor artístico, que realza y complementa brillantemente la arquitectura, pero se subordina a ella al mismo tiempo.
Si bien sus obras resultaron ser ejemplos de primer orden de la fusión de la arquitectura y el arte, Oscar Niemeyer también compartía la opinión de Costa de que sólo en circunstancias extraordinarias podría lograrse una verdadera síntesis de las artes. También subrayó la necesidad crucial de establecer un equipo que trabajara conjuntamente desde el principio de los bocetos arquitectónicos para discutir amistosamente los problemas y los más pequeños detalles del proyecto, sin dividirlos en campos especializados sino considerándolos como una única entidad equilibrada.
El objetivo ideal es integrar todas las disciplinas desde el principio del proyecto, pero invitar a los artistas a participar más tarde en el proceso de diseño no compromete necesariamente el resultado final. Un buen ejemplo es el Salão Negro del Congreso Nacional de Brasilia, donde el artista Athos Bulcão, invitado por Niemeyer una vez terminado el proyecto, creó un lenguaje abstracto y sencillo utilizando granito negro en el suelo y mármol blanco en las paredes, lo que dio lugar a un mural totalmente integrado con la arquitectura y los materiales del edificio. Este mural con patrones abstractos es citado a menudo por los académicos, entre ellos Paul Damaz, cuando afirma que el lenguaje no figurativo es el que mejor se adapta a la arquitectura moderna. En este sentido, el autor también menciona la escultura semifigurativa de bronce de Maria Martins en los jardines del Palacio da Alvorada, destacando la «afinidad formal entre las curvas» de la escultura y los «gráciles pilares del edificio», como un ejemplo perfecto de integración.
Sin embargo, mientras Damaz alaba la integración entre arquitectura y arte en los proyectos de Oscar Niemeyer, rechaza uno de los ejemplos más importantes de integración entre disciplinas en la historia del modernismo, que es el Campus de la UNAM de Ciudad de México. Este complejo es una de las realizaciones arquitectónicas más emblemáticas de México, país considerado pionero en la incorporación del arte a la arquitectura, como se aprecia en su tradición de pintura mural desde los años veinte. Inaugurado en 1952, paralelamente al CIAM VIII, el Campus Universitario fue diseñado por más de 100 arquitectos, además de ingenieros, artistas y paisajistas. Destacan los murales de Diego Rivera, David Alfaro Siqueiros, Juan O’Gorman y Francisco Eppens, que fueron criticados por su carácter figurativo, creando una disparidad de estilo entre el realismo social y la arquitectura funcionalista, en detrimento de esta última. Sin embargo, a pesar de las críticas, no se puede ignorar que la UNAM es un museo de arte al aire libre y un ejemplo de cooperación y colectividad.
A una escala diferente, pero igualmente importante, es la integración entre el arte y la arquitectura mediante la inclusión de elementos individuales ocasionales, como el icónico Pabellón de Barcelona de Mies van der Rohe. De hecho, la escultura Der Morgen, también conocida como Alba, del escultor alemán Georg Kolbe (1877-1947) no es esencial en el pabellón. Pero ¿qué más es esencial en este nuevo concepto arquitectónico, si no es la disposición de los planos y los soportes verticales? El pabellón es completamente independiente de la escultura, así como de los materiales, sin embargo, uno no puede imaginárselo hoy en día sin esta figura humana con los brazos extendidos colocada y enmarcada con precisión para la experiencia del usuario. Como explica bellamente Claudia Cabral, «en el delicado equilibrio de Mies, guiado por asimetrías parciales, y por un sistema de compensaciones, la escultura es el único elemento que no tiene contrapartida […] Mies decidió colocar una sola escultura, un solo elemento figurativo en su plano abstracto. Dentro del juego de los pabellones con los reflejos, las transparencias y los paralelos, somos los únicos interlocutores posibles para la figura de bronce, nosotros, los humanos de carne y hueso, los visitantes.»
Toda forma de integración de diferentes disciplinas consiste en un diálogo coherente entre arquitectos, pintores y escultores, ya sea desde el principio del desarrollo del proyecto o más tarde, durante la construcción, ya sea a gran escala o con elementos individuales. Teniendo esto en cuenta, resulta muy alarmante asistir a hechos como la reubicación de los paneles del artista Athos Bulcão en el Palacio del Planalto de Brasilia en 2009 debido a una reforma. Incluso la Fundación Athos Bulcão – Fundathos se opuso, ya que la ubicación original fue definida por el propio Athos, junto con Niemeyer, mientras diseñaba el palacio en 1950.
Como dijo Rino Levi, la arquitectura no es secundaria, pero tampoco es la madre de todas las artes. Sólo hay un arte y su valor se mide por las emociones que nos provoca. La pintura y la escultura pueden ser independientes, pero cuando se aplican a la arquitectura, se convierten en parte de un todo. Esta lección sobre la colectividad y las experiencias compartidas comienza durante el desarrollo del proyecto y llega a todas las personas que tienen la oportunidad de visitar la obra arquitectónica.